Ise, Okayama, Tokyo — l'intellectuel devenu animateur

Isao Takahata (高畑 勲) naît le 29 octobre 1935 à Ujiyamada, actuelle Ise, dans la préfecture de Mie. Il grandit dans la préfecture voisine d'Okayama, ville industrielle de la côte intérieure de la mer de Seto. Cette enfance est marquée par un événement traumatique qui infusera durablement son œuvre : le 29 juin 1945, alors qu'il a neuf ans, la ville d'Okayama subit un bombardement incendiaire des forces américaines. Plus de mille civils sont tués. Le jeune Takahata échappe à la mort en s'enfuyant à travers les rues en flammes — souvenir qu'il transposera quarante-trois ans plus tard dans Le Tombeau des lucioles.

Au sortir de la guerre, Takahata suit un parcours scolaire brillant. Il intègre l'Université de Tokyo (Tōdai), institution la plus prestigieuse du système universitaire japonais, où il étudie la littérature française. Le choix est révélateur — l'animation est encore un horizon lointain pour un étudiant en humanités. Mais Takahata découvre pendant ses études un film qui change tout : La Bergère et le Ramoneur de Paul Grimault et Jacques Prévert (1953, version inachevée du futur Roi et l'Oiseau de 1980). Cette révélation poétique le persuade que l'animation peut être un art majeur, pas seulement un divertissement enfantin.

« Né dans la préfecture de Mie et élevé dans la préfecture d'Okayama, Takahata rejoignit Toei Dōga (aujourd'hui Toei Animation) en 1959 après avoir achevé un diplôme en littérature française à l'Université de Tokyo. »

Musée national d'art moderne de Tokyo (MoMAT) · Takahata Isao: A Legend in Japanese Animation
momat.go.jp/en/exhibitions/533

Sorti diplômé en 1959, Takahata postule chez Toei Dōga — qui recrute alors massivement à la sortie des grandes universités. Il est embauché comme assistant réalisateur. À 24 ans, il intègre un studio qui domine alors l'animation japonaise par ses longs-métrages annuels (la série des Doga — Le Serpent blanc de 1958, Magic Boy de 1959) et qui se reconfigure pour exploiter le marché émergent de la télévision.

Toei Dōga 1959-1971 — la rencontre Miyazaki

Les premières années de Takahata chez Toei Dōga sont consacrées aux tâches subalternes de la production animée : préparation des storyboards, supervision de séquences, planification. Il y apprend la mécanique industrielle d'un studio de plusieurs centaines d'employés tout en s'engageant parallèlement dans le mouvement syndical de l'entreprise. Il sera élu vice-président du syndicat Toei — fonction qu'il occupera aux côtés de son cadet Hayao Miyazaki, alors secrétaire général.

La rencontre avec Miyazaki survient en 1963 ou 1964. Miyazaki, alors âgé de 22-23 ans, vient d'intégrer Toei comme intervalliste à la sortie de l'Université Gakushūin. Takahata, son aîné, remarque son talent graphique et l'intègre progressivement dans ses projets. C'est le début d'une amitié et d'une collaboration professionnelle qui dureront cinquante-cinq ans, jusqu'à la mort de Takahata en 2018.

« Leur partenariat commença en 1963 ou 1964 à Toei ; Takahata était déjà un jeune réalisateur, lorsque Miyazaki commença à travailler comme intervalliste. Takahata remarqua le jeune animateur lorsque Miyazaki devint connu dans tout le studio pour ses capacités de dessin et de storyboard. Il est largement admis que c'est l'intérêt et la promotion par Takahata des talents de Miyazaki qui ont permis à sa carrière de fleurir comme elle l'a fait. »

Senses of Cinema · Takahata, Isao
sensesofcinema.com/2018/great-directors/takahata-isao

En 1963, Takahata fait ses débuts de réalisateur sur la série télévisée Ōkamishōnen Ken (Ken, l'Enfant Loup) — pilote du genre du shōnen aventure animé. Il y réalise une dizaine d'épisodes répartis sur deux saisons. C'est dans cette série qu'apparaît une donnée biographique singulière : pour l'épisode 6, son nom est crédité sous le pseudonyme « Isao Yamashita » — pratique courante à Toei pour les réalisateurs débutants. Suit en 1965 Hassuru Panchi (Hustle Punch), série sur laquelle il continue d'apprendre la mise en scène télévisée.

Le surnom « Paku-san » lui est donné durant cette période par Miyazaki, en référence au bruit qu'il faisait en mangeant rapidement son petit-déjeuner le matin (paku-paku, onomatopée japonaise du grignotage). Le surnom restera attaché à Takahata toute sa vie.

Hols 1968 — le triomphe artistique, l'échec commercial

À l'automne 1965, la direction de Toei Dōga confie à Takahata, alors âgé de 30 ans, la réalisation du grand long-métrage annuel : Taiyō no Ōji: Horusu no Daibōken (太陽の王子 ホルスの大冒険), connu en français sous les titres Hols, Prince du Soleil ou Le Petit Prince Norvégien. C'est sa première œuvre cinématographique. Le projet, adapté d'une pièce de marionnettes inspirée d'un mythe Aïnou puis transposée en Scandinavie de l'âge de fer pour des raisons commerciales, contient un sous-texte politique de résistance collective qui se prêtera aux lectures syndicales et étudiantes.

Takahata adopte une méthode de production radicale pour l'époque : il invite toute l'équipe créative à participer aux storyboards et aux décisions narratives. Cette horizontalité — sans précédent à Toei alors organisé en hiérarchies pyramidales — ouvre la porte à Miyazaki, qui contribue significativement au développement de l'histoire et à l'animation des scènes-clés. Yasuo Ōtsuka assure la direction de l'animation. Yasuji Mori signe des designs féminins (Hilda) qui resteront légendaires. Yoichi Kotabe, Reiko Okuyama et Akemi Ōta complètent l'équipe key animation.

La production s'étend de l'automne 1965 à mars 1968 — soit deux ans et demi, contre les 8-10 mois habituels d'un long-métrage Toei. Le budget atteint ¥130 millions, ce qui fait de Hols le film d'animation japonais le plus coûteux jusqu'à Adieu Yamato en 1977. Toei limite délibérément la sortie à dix jours d'exploitation pour minimiser les pertes. Le film bombe au box-office.

Les conséquences sont sévères et durables :

• Takahata est rétrogradé assistant réalisateur et ne dirigera plus jamais de long-métrage chez Toei.
• Ōtsuka voit son contrat divisé par deux.
• Le chef de la planification Seki et le producteur Tōru Hara quittent Toei — Hara fondera Topcraft en 1972.

Le 21 juillet 1968, Hols sort en salles. Dix jours plus tard, il en est retiré. C'est le jour où l'animation japonaise moderne est née — sans que personne, sur le moment, n'en mesure la portée.

Pourtant, Hols devient rapidement un succès souterrain auprès des étudiants et des jeunes animateurs. La critique professionnelle, à mesure que le temps passe, reconnaît l'œuvre comme le premier anime moderne — film d'animation pour adultes au sens où il n'est plus seulement un divertissement enfantin. Cinquante-six ans plus tard, Hols est universellement considéré comme l'œuvre fondatrice qui a permis l'émergence de toute la génération Miyazaki-Takahata-Ōtomo.

Nippon Animation — Heidi, Marco, Anne

Cantonné aux séries télévisées chez Toei après l'échec commercial de Hols, Takahata co-réalise plusieurs épisodes de Lupin III: Part I avec Miyazaki en 1971 (épisodes 8-23). Mais l'environnement Toei lui est désormais hostile. Au début des années 1970, lui, Miyazaki, Ōtsuka et Kotabe quittent ensemble Toei pour rejoindre A Production (future Shin-Ei Animation), structure plus petite qui leur permet de retrouver une autonomie créative.

Le premier projet de cette nouvelle phase est Panda! Go Panda! (パンダ・コパンダ, Panda Kopanda), court-métrage de 33 minutes sorti en 1972, suivi de la suite Panda Kopanda: Amefurisa-kasu no Maki (1973). Miyazaki en signe le scénario et la layout ; Takahata réalise. L'œuvre, légère et joyeuse, sera plus tard évoquée comme un brouillon thématique de Mon voisin Totoro.

La rencontre avec Zuiyo Eizō / Nippon Animation

En 1974, l'équipe Takahata-Miyazaki-Kotabe est approchée par le studio Zuiyo Enterprise pour adapter le roman de Johanna Spyri Heidi. Le projet aboutit à Arupusu no Shōjo Heidi (アルプスの少女ハイジ, Heidi, Girl of the Alps), série de 52 épisodes diffusée sur Fuji TV à partir de janvier 1974. Pour la préparer, Takahata, Miyazaki et Kotabe entreprennent un voyage de repérage dans les Alpes suisses — pratique alors inouïe dans l'animation télévisuelle japonaise.

Heidi marque un tournant méthodologique pour l'industrie. Takahata y introduit le Layout System — étape supplémentaire entre le storyboard et l'animation finale, qui consiste à fixer la composition exacte de chaque plan avant la production des cellulos. Cette innovation organisationnelle, qui paraît évidente aujourd'hui, réduit drastiquement les retakes et améliore la cohérence visuelle. Elle deviendra rapidement un standard de l'industrie animation japonaise et internationale.

Miyazaki dira plus tard que Heidi est le chef-d'œuvre de Takahata :

« Compte tenu de toutes les restrictions de l'animation à l'époque, il a fait tout ce qu'il pouvait. Non seulement cela, mais il a accompli tellement. »

Hayao Miyazaki sur Heidi, cité dans Senses of Cinema
sensesofcinema.com/2018/great-directors/takahata-isao

Après Heidi, la section animation de Zuiyo devient une filiale autonome — Zuiyo Eizō, qui deviendra ensuite Nippon Animation. Takahata et Miyazaki y restent une décennie, dans le cadre du programme Sekai Meisaku Gekijō (Théâtre des Chefs-d'œuvre Mondiaux), adaptation hebdomadaire de classiques de la littérature occidentale pour Fuji TV.

Pendant cette période, Takahata réalise trois œuvres-piliers :

• Arupusu no Shōjo Heidi (Heidi, 1974) — 52 épisodes
• Haha wo Tazunete Sanzenri (Marco, 3000 lieues en quête de mère, 1976) — 52 épisodes, d'après Edmondo De Amicis
• Akage no An (Anne aux pignons verts, 1979) — 50 épisodes, d'après Lucy Maud Montgomery

Cette trilogie marque l'âge d'or de l'animation télévisuelle d'auteur japonaise. Takahata y développe sa méthode signature : recherche documentaire poussée (vie quotidienne, habitats, vêtements, alimentation), caractérisation psychologique nuancée des personnages (notamment féminins), rythme contemplatif qui s'oppose aux conventions de l'animation pour enfants.

L'intermède Telecom — Jarinko Chie

Vers 1981, Takahata quitte Nippon Animation pour rejoindre Telecom Animation Film Co., Ltd., filiale de TMS Entertainment (Tokyo Movie Shinsha). Il y réalise Jarinko Chie (1981), long-métrage adapté du manga éponyme de Etsumi Haruki — d'où le titre français Chie la petite peste. Cette adaptation comique d'une fillette d'Osaka débrouillarde marque le début du tournant japonais de Takahata : après dix ans à animer des classiques européens (Heidi, Marco, Anne), il revient vers des sujets ancrés dans la culture populaire japonaise.

Le succès de Jarinko Chie le conduit à diriger un spin-off télévisuel en 1981-1982 (66 épisodes), puis l'année suivante Goshu le Violoncelliste (セロ弾きのゴーシュ, Sero Hiki no Gōshu, 1982), adaptation poétique du conte de Kenji Miyazawa. Ce dernier film, produit par Oh! Production, marque sa maturité artistique : musique classique au cœur de la narration (Beethoven), rythme contemplatif, méditation sur la transmission artistique.

Le passage par le documentaire — Yanagawa Canals

En 1984, Takahata produit pour Miyazaki Nausicaä de la Vallée du Vent. Il y figure comme producteur associé aux côtés de Toshio Suzuki de Tokuma Shoten et Tōru Hara de Topcraft. Mais il profite des fonds générés par Nausicaä pour financer un projet personnel singulier : The Story of Yanagawa's Canals (柳川堀割物語, 1987), documentaire en prises de vue réelles de 2h45 sur la restauration des canaux de Yanagawa dans le sud du Japon.

Ce détour documentaire est révélateur : Takahata n'est pas un animateur — il est un réalisateur qui utilise l'animation par choix narratif, jamais par contrainte. C'est cette posture qui le distingue radicalement de Miyazaki, dessinateur dans l'âme, et qui rendra possible sa série d'expérimentations stylistiques des années 1990-2010.

Co-fondation Ghibli 1985 — l'œuvre majeure

Le 15 juin 1985, à la suite de la faillite de Topcraft consécutive à la production de Nausicaä, Takahata co-fonde avec Hayao Miyazaki et Toshio Suzuki le Studio Ghibli. La structure est financée par Tokuma Shoten et installée dans les anciens locaux de Topcraft. Tōru Hara en est le premier manager.

Le rôle de Takahata dans la nouvelle structure est duel. Il y produit d'abord le premier long-métrage du studio : Le Château dans le ciel (1986) de Miyazaki. Mais il prépare également son retour à la réalisation, après huit ans sans long-métrage d'animation (depuis Goshu en 1982). Le projet auquel il se consacre est l'adaptation du roman semi-autobiographique d'Akiyuki Nosaka Le Tombeau des lucioles (火垂るの墓, Hotaru no Haka), publié en 1967.

Mais le projet rencontre la résistance du président de Tokuma Shoten, Yasuyoshi Tokuma, qui doute du potentiel commercial d'un film sur deux enfants orphelins mourant de faim à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le producteur Toshio Suzuki trouve la solution : présenter le film en double programme avec un projet parallèle de Miyazaki, Mon voisin Totoro. L'argument : le caractère pédagogique du Tombeau garantira des projections scolaires obligatoires.

L'accord est signé. Mais il impose au jeune studio Ghibli, alors âgé de deux ans, de produire deux longs-métrages simultanément sur douze mois. Tōru Hara est rappelé pour gérer cette double production. Le studio est physiquement divisé en deux équipes parallèles travaillant dans le même bâtiment.

Le Tombeau des lucioles 1988 — l'aboutissement

Le Tombeau des lucioles sort au Japon le 16 avril 1988 en double programme avec Mon voisin Totoro. Le film raconte les derniers mois de vie de Seita, 14 ans, et de sa petite sœur Setsuko, 4 ans, deux orphelins de mère après les bombardements de Kobe en 1945, abandonnés par leur tante et qui meurent progressivement de faim dans un abri anti-aérien. Le film s'ouvre sur la mort de Seita le 21 septembre 1945, dans une gare de Sannomiya à Kobe.

L'adaptation est confiée à Takahata par Shinchōsha, l'éditeur d'origine du roman, en raison d'expériences personnelles convergentes : Nosaka avait perdu sa sœur adoptive de famine pendant la guerre ; Takahata avait lui-même 9 ans lors du bombardement d'Okayama en juin 1945 et avait failli mourir. Cette double mémoire infuse chaque scène du film.

Techniquement, Le Tombeau des lucioles innove sur plusieurs points :

• Contours bruns plutôt que noirs. La coloriste Michiyo Yasuda (déjà responsable des couleurs de Nausicaä) propose un trait de contour brun pour adoucir l'image, à rebours du contour noir standardisé. C'est une première dans l'animation japonaise.
• Tonalité visuelle volontairement contrainte. La palette chromatique évite tout effet décoratif, restant fidèle à l'austérité de la fin de guerre.
• Mémoire sonore vérifiée. Takahata, traumatisé par les bombardements de son enfance, exige que le sifflement des bombes incendiaires soit authentique — il avait remarqué que de nombreux films américains et japonais se trompaient sur ce détail.

« Ses propres expériences pendant la Seconde Guerre mondiale ont nourri la fabrication du Tombeau des lucioles, dans le sifflement des bombes incendiaires (il avait noté que beaucoup de films et de séries en donnaient un son erroné). »

Senses of Cinema · Takahata, Isao
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Le film sort en demi-teinte : 1,7 milliard de yens de recettes au Japon, mais aucun des deux films du double feature ne récupère réellement son budget en exploitation cinéma. C'est seulement par la suite — VHS, télévision, redistribution internationale — que les œuvres prennent leur ampleur. Le Tombeau des lucioles deviendra rapidement l'œuvre Ghibli la plus citée par la critique internationale, et la première à donner au studio sa stature mondiale d'auteur.

Aujourd'hui, Le Tombeau des lucioles figure régulièrement dans les classements des meilleurs films d'animation jamais produits. Letterboxd le situe en 28e position dans son Top 250 tous films confondus en 2024.

Pompoko, Yamada, Kaguya — l'expérimentation tardive

À partir de 1991, Takahata déploie chez Ghibli une signature radicalement personnelle, explorant à chaque film une nouvelle hypothèse stylistique. Aucun de ses films ne ressemble à un autre.

Souvenirs goutte à goutte (1991)

Adaptation du manga d'Hotaru Okamoto et Yuko Tone, Omoide Poroporo (おもいでぽろぽろ) explore les souvenirs d'enfance d'une Tokyoïte de 27 ans en vacances à la campagne. Le film croise deux strates visuelles distinctes : présent (1982) en réalisme détaillé, souvenirs (1966) en aquarelle plus diaphane. Premier rôle féminin adulte d'un long Ghibli — ce qui était alors inhabituel dans l'animation japonaise. Recettes japonaises : 3,1 milliards de yens.

Pompoko (1994)

Heisei Tanuki Gassen Pompoko (平成狸合戦ぽんぽこ) — fable écologique sur des tanuki (chiens viverrins, animaux mythologiques japonais) tentant de défendre leur forêt de Tama contre l'expansion urbaine de Tokyo. Le film mêle humour burlesque, mythologie shinto et critique environnementale. Prix du long-métrage au Festival d'Annecy 1994.

Mes voisins les Yamada (1999)

Hōhokekyo Tonari no Yamada-kun (ホーホケキョ となりの山田くん) — adaptation du manga en quatre cases (yonkoma) d'Hisaichi Ishii. Premier long-métrage Ghibli intégralement produit en animation numérique. Le film simule délibérément l'aspect aquarelle et trait de pinceau du manga d'origine — pari graphique audacieux qui ne convainc pas le grand public (¥1,5 milliard de recettes, échec commercial relatif) mais qui ouvre la voie à l'expérimentation graphique tardive de Takahata.

Le Conte de la princesse Kaguya (2013)

Quatorze années après Yamada, Takahata réalise son dernier long-métrage : Kaguya-hime no Monogatari (かぐや姫の物語), adaptation du plus ancien conte folklorique japonais (Xe siècle). Le projet est annoncé en même temps que Miyazaki annonce sa retraite avec Le Vent se lève — les deux maîtres prennent leur retraite ensemble.

Kaguya pousse l'expérimentation graphique de Yamada à son terme : animation entièrement composée de tracés crayon et lavis, à la limite du dessin inachevé. Takahata refuse délibérément les contours nets, exposant les « lignes sales et rapides » du trait initial. Cette esthétique tente de capter Kaguya « dans un instant fugace » plutôt que dans une forme idéale figée. Sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2014. Nomination à l'Oscar du Meilleur film d'animation (87e cérémonie, 2015).

Mais Kaguya est aussi le film le plus coûteux jamais produit par Ghibli à l'époque — environ 5 milliards de yens, ce qui ne sera dépassé qu'en 2023 par Le Garçon et le Héron de Miyazaki. Le film ne récupère pas son investissement lors de l'exploitation cinéma initiale. Cette situation est l'illustration exacte du désaccord de 1991 entre Tōru Hara (prudence budgétaire) et Tokuma-Suzuki (montée en gamme) — preuve a posteriori que les inquiétudes de Hara étaient fondées.

Le perfectionniste — méthode et controverses

La méthode Takahata est légendaire dans l'industrie pour son exigence et sa rigueur. Il est l'un des seuls réalisateurs Ghibli à ne pas savoir dessiner — particularité qui le distingue radicalement de Miyazaki. Cette absence de pratique graphique le contraint à diriger uniquement par le verbe : briefings interminables, storyboards revus, demandes de retakes permanentes.

Quelques traits emblématiques de sa méthode :

1. Recherche documentaire systématique

Pour Souvenirs goutte à goutte, Takahata passe plusieurs mois à étudier la culture du carthame (benibana) dans la préfecture de Yamagata — visites de fermes, entretiens avec des cultivateurs, archives historiques. Toshio Suzuki dira qu'il aurait pu écrire un livre entier sur le sujet. Pour Heidi, il documente minutieusement l'aspect du pain alpin que mangent les personnages.

2. Retards chroniques

Pratiquement toutes les productions Takahata accusent des retards considérables. Le Tombeau des lucioles sort au Japon avec une scène finale techniquement inachevée — l'éditeur Shinchōsha a imposé la sortie en bloquant les délais. Le Conte de la princesse Kaguya est retardé de plusieurs années, son rythme de production éprouvant pour l'équipe.

3. Le surnom et la légende du perfectionniste destructeur

Le surnom Paku-san donné par Miyazaki dans les années 1960 cache une réputation moins flatteuse dans le milieu : Takahata est considéré comme l'un des réalisateurs les plus durs envers son équipe. Yoshifumi Kondō, animateur attitré sur Le Tombeau des lucioles et plus tard réalisateur de Si tu tends l'oreille (1995), meurt à 47 ans d'un anévrisme cérébral en 1998 après le travail sur Princess Mononoke. Toshio Suzuki rapporte dans ses mémoires une scène troublante à la crémation de Kondō : un autre animateur (« S-san ») y aurait dit ouvertement « C'est Paku-san qui a tué Kon-chan, n'est-ce pas ? » — Takahata aurait acquiescé silencieusement.

« Il est aussi considéré comme l'un des plus stricts, au point qu'on rumeure que ses attitudes perfectionnistes envers son équipe ont été un facteur tant dans le manque de sang neuf chez Ghibli que dans la mort de Yoshifumi Kondō d'un anévrisme cérébral en 1998, ce que Takahata lui-même était prêt à croire. »

TV Tropes · Isao Takahata
tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/Creator/IsaoTakahata

4. L'engagement politique

Takahata est jusqu'à sa mort engagé contre la révision de l'article 9 de la Constitution japonaise (le « peuple japonais renonce à jamais à la guerre »). Membre du groupe Eigajin Kyūjō no Kai (« Les cinéastes pour l'article 9 »), il intervient publiquement à plusieurs reprises pour défendre le pacifisme constitutionnel. Cette position est cohérente avec l'œuvre — du Tombeau des lucioles à Pompoko, le pacifisme et la critique du militarisme structurent toute la filmographie.

Postérité — l'autre Ghibli, l'égal de Miyazaki

Isao Takahata meurt le 5 avril 2018 à Tokyo, à 82 ans, des suites d'un cancer du poumon. Sa disparition est mondialement reprise — The Washington Post, The New York Times, Le Monde, Libération publient des nécrologies substantielles. Miyazaki prononce l'éloge funèbre lors d'une cérémonie d'hommage à Ghibli.

« Paku-san, à cette époque, nous vivions de toutes nos forces. Tu te tenais debout sans céder à aucune épreuve. C'était une attitude que nous partagions tous. Merci, Paku-san. »

Hayao Miyazaki, éloge funèbre de Takahata, 2018
letterboxd.com/journal/isao-takahata-retrospective-niigata

L'œuvre en perspective

Trois grandes phases structurent rétrospectivement l'œuvre de Takahata :

1. L'âge des classiques européens (Toei et Nippon Animation, 1959-1981) — Hols, Heidi, Marco, Anne. Période de la transmission narrative de la grande culture occidentale au public japonais, à travers la grammaire de l'animation hebdomadaire télévisuelle.
2. L'âge du témoignage japonais (Telecom puis Ghibli, 1981-1999) — Jarinko Chie, Goshu, Le Tombeau des lucioles, Souvenirs goutte à goutte, Pompoko, Mes voisins les Yamada. Période du retour à la culture populaire japonaise, du contemporain et du semi-autobiographique.
3. L'âge de l'expérimentation graphique (Ghibli, 1999-2013) — Yamada, Kaguya. Période de la déconstruction des conventions visuelles de l'animation, à la recherche d'une nouvelle grammaire.

L'égalité avec Miyazaki

Dans l'imaginaire occidental, Studio Ghibli est souvent identifié au seul Hayao Miyazaki. Cette réduction occulte l'importance de Takahata, qui fut non seulement le co-fondateur du studio mais aussi le formateur de Miyazaki lui-même. C'est Takahata qui a découvert Miyazaki à Toei en 1963, qui l'a sorti des tâches subalternes, qui l'a fait participer aux décisions créatives sur Hols, qui l'a accompagné chez Nippon Animation et Telecom. Sans Takahata, il n'y aurait probablement pas de Miyazaki tel qu'on le connaît.

L'animateur Yasuo Ōtsuka, mentor d'animation de toute cette génération, a explicitement déclaré que « Miyazaki obtient son sens de la responsabilité sociale de Takahata » et que « sans Takahata, Miyazaki s'intéresserait probablement uniquement à des trucs de bande dessinée ».

Si Miyazaki est le cœur populaire de Ghibli et Suzuki son squelette économique, Takahata en était l'âme intellectuelle et morale.

Articles connexes dans le corpus SAKUGAART

• Le portrait de Tōru Hara, ami et collègue depuis Toei Dōga en 1959.
• Le portrait de Studio Ghibli, qu'il a co-fondé.
• La fiche Topcraft, structure dans laquelle il a produit Nausicaä avec Miyazaki.
• La fiche Toei Animation, où il a appris la mise en scène.
• La fiche Nippon Animation, où il a réalisé Heidi, Marco et Anne.
• Article à produire : portrait de Hayao Miyazaki, son alter ego de cinquante-cinq ans.
• Article à produire : portrait de Toshio Suzuki, producteur Ghibli depuis Nausicaä.
• Article à produire : fiche sur Hols, Prince du Soleil (1968) — œuvre fondatrice.